Para un programa especialmente inmersivo en el Museo de Arte McNay, Agarita actuará por todo el museo entre las galerías, brindando una oportunidad única de comprender las colecciones de arte de una manera nueva. Los temas visuales se combinarán de forma orgánica con las selecciones musicales, ofreciendo una experiencia que despertará los sentidos de la vista y el oído.
Mapa del Museo
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Con La Participación de:
Ye Jin Min es una becaria de violín de tercer año en la New World Symphony y candidata a doctorado en artes musicales en la Escuela de Música de Yale. Nacida y criada en Corea del Sur, completó sus estudios de pregrado en Australia en el Conservatorio de Sídney bajo la tutela del profesor Goetz Richter y una maestría en la Universidad de Yale con la profesora Syoko Aki, donde recibió el premio Yale Alumni. También pasó un año en Alemania, recibiendo instrucción del profesor Ulf Hoelscher.
Ye Jin ha actuado extensamente como solista y músico de cámara y orquesta. Ha actuado en EE. UU., Alemania, Australia, Austria, Suiza, Tailandia y Corea del Sur. Más recientemente, fue becaria del Festival de Música de Davos 2022, el Festival de Música de Sarasota 2022 y el Festival Internacional de Música de Bowdoin 2021. Durante su tiempo en Australia, fue miembro de la Orquesta Sinfonía de la Sinfonía de Sídney. También fue ganadora del primer premio en el Concurso Nacional de Violín de Kendall y en el Concurso Internacional de Violín de Animato.
Ye Jin siente pasión por la interpretación de música contemporánea y del siglo XX, así como de música de compositores subrepresentados. Su tesis doctoral trata sobre la violinista australiana Alma Moodie y la música dedicada a ella, incluyendo obras de Max Reger, Ernst Krenek y Eduard Erdmann. Ha participado en varios conciertos y proyectos, incluyendo un concierto con Caroline Shaw y Gabriele Kahane, la grabación de música de Ulysses Kay y Louise Farrenc para el proyecto New Muses, y también tiene su propio proyecto llamado "Re
". Ye Jin también compone ocasionalmente, y recientemente estrenó su obra Hymn for Violin and Cello en la iglesia St. Theodul durante el Festival de Música de Davos 2022.
Notas Del programa
El compositor italiano Antonio Vivaldi es más conocido por su obra Las Cuatro Estaciones, que ilustra a través de la música algunas de las sensaciones asociadas con cada estación del año. Compuestas alrededor de 1720, son algunos de los primeros ejemplos de "música programática", o música que evoca una narrativa, imagen o escena, en lugar de ser música que "habla por sí misma" sin ninguna evocación extra-musical. En Invierno, el oyente puede imaginar una feroz nevada y la urgencia y preocupación que ésta conlleva. Un ritmo constante y los trémolos en las cuerdas representan una nevada persistente, mientras que las virtuosas cadencias del primer violín intensifican la carga emocional.
Junto con cada estación, Vivaldi incluyó un soneto (posiblemente escrito por el propio compositor) que evoca el espíritu de la estación. Para Invierno, incluye el siguiente:
Pisamos con cautela y lentamente el camino helado,
por miedo a tropezar y caer.
Luego giramos abruptamente, resbalamos, chocamos contra el suelo y,
levantándonos, nos apresuramos a cruzar el hielo antes de que se rompa.
Sentimos los vientos gélidos del norte recorrer la casa,
a pesar de las puertas cerradas con llave y cerrojo...
esto es el invierno, que no obstante
trae consigo sus propios deleites.
"Koʻu inoa" ("mi nombre es") es una obra para violín solo de la compositora Kanaka Maoli Leilehua Lanzilotti, descrita como "un bariolage nostálgico basado en el himno 'Hawai'i Aloha'". El bariolage es una técnica de arco rápido que se mantiene a lo largo de la pieza, permitiendo arpegios rápidos que crean una coloración y textura armónicas únicas. La obra posee una cualidad minimalista, evocando una meditación en trance a través de una textura consistente y prolongada. Gradualmente, el oyente es llevado a un estado emocional unificador y profundo; la repetición y los cambios armónicos actúan como un mantra, dirigiendo nuestra atención hacia algo universal y simple, como las olas infinitas o el ritmo de nuestra respiración. El canto suave del violinista hacia el final de la pieza aporta una vulnerabilidad más profunda a la obra.
La obra para violín solo "Four Moons" de Ye Jin Min fue compuesta para una actuación conjunta con los Koriobots, robots coreografiados por la Dra. Madeline Gannon. Esta pieza se estrenó en Catalyst 2023, la conferencia de Arte y Tecnología de la Fundación Knight. Inspirada en los cuatro discos blancos flotantes de los robots, la composición narra la historia de cuatro lunas y una niña, combinando voz y violín. Para su interpretación en la Galería Frost del Museo de Arte McNay, la obra se adaptó para adecuarse al espacio único de la galería.
La compositora y violista canadiense Kathryn Patricia Cobbler ha desarrollado una voz compositiva única mediante el uso de un pedal de bucle, un dispositivo que permite grabar música en el momento y superponerla inmediatamente para producir texturas y armonías acumulativas. Su obra "Cradle" emplea un ritmo suave y pizzicatos (pellizcos de las cuerdas) para crear una textura reconfortante, amorosa y nostálgica.
Jessica Meyer es una compositora y violista galardonada que reside en la ciudad de Nueva York. Su estilo compositivo único se nutre de una amplia gama de influencias, desde la música clásica tradicional hasta el raga indio y el fiddling de los Apalaches. Acerca de su obra "Source of Joy" para viola y pedal de bucle, Meyer comenta:
"Cuando piensas en el papel que desempeña el violista en el repertorio clásico típico, generalmente imaginas melodías lamentables, explosiones melodramáticas o patrones que ayudan a mantener unido al conjunto. Después de escribir esta pieza, me di cuenta de que los sonidos que utilicé eran todo lo contrario de lo que se espera de un violista. Aquí tenemos sonidos altos, ascendentes, rítmicos y virtuosamente poderosos. Escribí esta pieza después de finalmente aceptar que soy, de hecho, una compositora, y pensé que quizás esto era una metáfora adecuada para la vida, porque a veces tienes que ir más allá de lo que se espera de ti para encontrar tu propia fuente de alegría... y nunca es demasiado tarde para hacerlo."
La violonchelista y compositora española Andrea Casarrubios es una intérprete conocida que recientemente ha ganado reconocimiento por sus composiciones. Seven para violonchelo solo es quizás su obra más significativa hasta la fecha, y el contexto de la obra es especialmente conmovedor. Casarrubios escribe: "Encargada por Astral Artists y Thomas Mesa para su proyecto Songs of Isolation, Seven es un homenaje a los trabajadores esenciales durante la pandemia de COVID-19, así como a quienes perdieron la vida y a los que aún sufren por la crisis. La pieza termina con siete sonidos que evocan campanas, aludiendo al homenaje diario de las 7 PM en Nueva York durante el confinamiento, el momento en que los neoyorquinos aplaudían desde sus ventanas, conectándose entre sí y expresando su agradecimiento a quienes estaban en primera línea".
La compositora Caroline Shaw, ganadora del Premio Pulitzer, entiende cómo jugar con el sonido y sus infinitas texturas. Como miembro del grupo vocal contemporáneo Roomful of Teeth, ganador de un Grammy, a menudo recurre a las capacidades únicas y crudas de la voz humana. Al trabajar con instrumentos, explora sus poderes tímbricos intrínsecos para la expresión: desde efectos de pizzicato violento (pellizcos) hasta acordes resonantes tocados con arco, la obra convierte la acústica en el propio tema. Limestone and Felt explora la textura y el espacio a través del sonido, y las superficies duras y resonantes de la Galería Mays son compañeras de los materiales musicales de esta obra.
El compositor mexicano José Elizondo fusiona sus raíces latinoamericanas con una formación académica diversa, que incluye títulos en Humanidades, Ingeniería Eléctrica y Ciencias de la Computación del MIT, además de estudios musicales en la Universidad de Harvard. Su interés se centra en la tecnología de reconocimiento de voz. Acerca de su obra "Pan de Azúcar" para viola y violonchelo, Elizondo comenta:
"Pan de Azúcar" lleva el nombre de la famosa montaña en Río de Janeiro. Está inspirada en la bossa nova brasileña y evoca la música sensual de Antonio Carlos Jobim y Heitor Villa-Lobos. Las melodías en esta pieza son expresivas, melancólicas y pacíficas, con un ambiente general de "serenidad alegre".
Ishi’s Song del compositor estadounidense Martin Bresnick comienza con una transcripción de una melodía de Ishi (el último hablante nativo del idioma Yahi-Yana, de los indios Yahi), cantando lo que él llamaba The Maidu Doctors Song. Bresnick toma este fragmento melódico simple y lo repite, extiende y enriquece, creando un efecto hipnotizante. Aunque hay momentos de esperanza y pasión en esta obra, en última instancia predomina una nostalgia oscura y reflexiva que captura la desintegración de la tribu de Ishi y su lengua nativa.
Estonian composer Arvo Pärt believes that "the instant and eternity are struggling within us.” We hear this struggle in Fratres, a work that begins with frenetic arpeggiations from the violin that yields to a chorale-like melody introduced by the piano. Pärt is fascinated by chant music, and in minimalist, Tintinnabuli-style works like Fratres, Für Alina, and Spiegel im Spiegel, Pärt frames incredibly simple, chant-like melody with glacially slow harmonic motion and straightforward form. Somehow, the result is mystical and elusive. The music is so intentionally basic that it feels fundamental, like some inevitable, universal truth.
El compositor Gabriel Fauré, una figura tardorromántica que enlaza las generaciones de músicos como Johannes Brahms (1833-1897) y Maurice Ravel (1875-1937), combinó el estilo exuberante y expresivo del romanticismo con armonías y texturas exóticas. Su música ofrece colores inesperados y giros estructurales innovadores, plantando las semillas experimentales para una generación de jóvenes compositores impresionistas que desafiarían las normas y tradiciones románticas.
El Cuarteto para piano en do menor de Fauré es una de las obras maestras de su juventud. Aunque sigue un modelo tradicional (cuatro movimientos con los estados de ánimo y tempos esperados, por ejemplo), dentro de sus estructuras formales se encuentra un lenguaje armónico innovador y una lírica infinita y expansiva. Una melodía fluye hacia otra, y luego otra, intercambiándose entre los instrumentos y abriendo nuevos mundos con acordes que subvierten las expectativas del oyente.
El primer movimiento comienza con intensidad y severidad, pero, a diferencia de un compositor romántico como Brahms, Fauré pronto se disuelve en un espacio liminal mucho más etéreo. Dulces y hermosas melodías de las cuerdas arrastran la música hacia ámbitos armónicos exóticos. El carácter de la música cambia bruscamente: a veces es juguetona y ligera, y en otras ocasiones se torna más seria e impulsada. Finalmente, la música regresa a su material inicial y se desvanece pacíficamente, con una sonrisa.
El segundo movimiento, que inicia con acordes juguetones de pizzicato (pellizcos) en las cuerdas, es un scherzo encantador y animado. Los temas alternan entre el piano y las cuerdas, cada uno tomando su turno con cortesía y generando un diálogo divertido. Sorprendentemente, la sección central no contrasta demasiado; con un carácter todavía chispeante, algunas líneas melódicas más largas ofrecen un significado más profundo y un flujo gratificante por encima del ritmo constante. Un conjunto serpenteante y casi cadencial de escalas en la parte del piano lleva al oyente de vuelta al material inicial, amigable y ameno.
Carlos Chávez fue un exitoso compositor mexicano del siglo XX cuya carrera tuvo una gran presencia en los Estados Unidos, particularmente en la ciudad de Nueva York, donde entabló amistad con artistas como Diego Rivera y Rufino Tamayo, entre otros. Gran parte de su música incorpora elementos folklóricos de América Latina. Sin embargo, su Madrigal para violonchelo y piano es su visión personal de una forma musical antigua.
Un madrigal fue originalmente una canción pastoral del norte de Italia en el siglo XIV, que evolucionó hacia una música vocal secular y polifónica durante los periodos del Renacimiento y el Barroco temprano. En la obra de Chávez se percibe inmediatamente la cualidad cantable, así como la textura contrapuntística (de múltiples voces) que se intensifica a lo largo de la pieza. Este madrigal es representativo del estilo compositivo de Chávez: tomar una sencilla melodía folklórica y transformarla con su propio y único lenguaje armónico moderno.
Gabriela Ortiz es una compositora nominada al Grammy Latino y una de las compositoras más destacadas de México en la actualidad. Su Estudio no. 3, parte de su conjunto más amplio de Estudios entre preludios, muestra el increíble fuego que puede generar dentro de una estructura limitada y fija. A partir de un pequeño gesto retumbante en la parte inferior del piano, genera un formidable estudio que exhibe una amplia gama de contrastes dinámicos y expresivos. Aunque la sensación rítmica de la música cambia de un pulso virtuoso y diabólico a un ritmo latino, el motor de la pieza nunca se detiene.
Missy Mazzoli es una de las compositoras más destacadas de la actualidad, con obras interpretadas internacionalmente. Ha recibido el Premio de la Fundación para las Artes Contemporáneas en 2015, una Beca Fulbright para los Países Bajos, cuatro premios ASCAP para Jóvenes Compositores y muchos otros. Residente en Nueva York, enseña en el Mannes College. Sobre Lies You Can Believe In, Mazzoli escribe:
"Las 'mentiras' en el título no son falsedades, sino que se refieren a la palabra antigua para una historia improvisada y adornada. Este tipo de mentira no es maliciosa; el proceso de invención y la narración son, en última instancia, más importantes que la verdad detrás de la historia. En esta pieza, creé mi propia 'mentira', una música folclórica urbana inventada y embellecida. Las cuerdas cuentan una historia improvisada, tocando la violencia, la energía, la manía y los raros momentos de calma que se encuentran en una ciudad. Esta pieza está inspirada tanto en la música gitana moderna, el punk y la electrónica, como en la música folclórica tradicional búlgara y rumana."
El estilo compositivo personal y accesible de Caroline Shaw se basa en una profunda comprensión de la forma musical, la textura, el equilibrio y el timbre. Como cantante y violinista, Shaw tiene un entendimiento fundamental de cómo se siente la música de cámara para los intérpretes y cómo escribir de una manera que invite a una buena conversación musical. Root es el movimiento final de su suite de cuatro movimientos The Evergreen, que incluye Moss, Stem, Water y Root. Root es el movimiento más arraigado (literal y musicalmente) de la suite, comenzando con un patrón de balanceo en el violonchelo (que luego pasa a la viola) que persiste durante la mayor parte del movimiento, sobre el cual los otros instrumentos ya sea que apoyan o ofrecen una contramelodía y texturas variadas. Se puede escuchar un crecimiento nuevo y serpenteante a medida que la música se desarrolla, y la obra termina con una esperanza prometedora y una mirada hacia arriba, habiendo evolucionado por encima del suelo.