Para un programa especialmente inmersivo en el Museo de Arte McNay, Agarita actuará por todo el museo entre las galerías, brindando la oportunidad única de comprender las colecciones de arte de una manera nueva. Los temas visuales se combinarán de forma orgánica con las selecciones musicales, ofreciendo una experiencia que despertará los sentidos de la vista y el oído.
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Con La Participación de:
Ye Jin Min es una becaria de violín de tercer año en la New World Symphony y candidata a doctorado en artes musicales en la Escuela de Música de Yale. Nacida y criada en Corea del Sur, completó sus estudios de pregrado en Australia en el Conservatorio de Sídney bajo la tutela del profesor Goetz Richter y una maestría en la Universidad de Yale con la profesora Syoko Aki, donde recibió el premio Yale Alumni. También pasó un año en Alemania, recibiendo instrucción del profesor Ulf Hoelscher.
Ye Jin ha actuado extensamente como solista y músico de cámara y orquesta. Ha actuado en EE. UU., Alemania, Australia, Austria, Suiza, Tailandia y Corea del Sur. Más recientemente, fue becaria del Festival de Música de Davos 2022, el Festival de Música de Sarasota 2022 y el Festival Internacional de Música de Bowdoin 2021. Durante su tiempo en Australia, fue miembro de la Orquesta Sinfonía de la Sinfonía de Sídney. También fue ganadora del primer premio en el Concurso Nacional de Violín de Kendall y en el Concurso Internacional de Violín de Animato.
Ye Jin siente pasión por la interpretación de música contemporánea y del siglo XX, así como de música de compositores subrepresentados. Su tesis doctoral trata sobre la violinista australiana Alma Moodie y la música dedicada a ella, incluyendo obras de Max Reger, Ernst Krenek y Eduard Erdmann. Ha participado en varios conciertos y proyectos, incluyendo un concierto con Caroline Shaw y Gabriele Kahane, la grabación de música de Ulysses Kay y Louise Farrenc para el proyecto New Muses, y también tiene su propio proyecto llamado "Re
". Ye Jin también compone ocasionalmente, y recientemente estrenó su obra Hymn for Violin and Cello en la iglesia St. Theodul durante el Festival de Música de Davos 2022.
Notas Del programa
La violonchelista y compositora española Andrea Casarrubios es una intérprete conocida que recientemente ha ganado reconocimiento por sus composiciones. Seven para violonchelo solo es quizás su obra más significativa hasta la fecha, y el contexto de la obra es especialmente conmovedor. Casarrubios escribe: "Encargada por Astral Artists y Thomas Mesa para su proyecto Songs of Isolation, Seven es un homenaje a los trabajadores esenciales durante la pandemia de COVID-19, así como a quienes perdieron la vida y a los que aún sufren por la crisis. La pieza termina con siete sonidos que evocan campanas, aludiendo al homenaje diario de las 7 PM en Nueva York durante el confinamiento, el momento en que los neoyorquinos aplaudían desde sus ventanas, conectándose entre sí y expresando su agradecimiento a quienes estaban en primera línea".
La compositora Caroline Shaw, ganadora del Premio Pulitzer, entiende cómo jugar con el sonido y sus infinitas texturas. Como miembro del grupo vocal contemporáneo Roomful of Teeth, ganador de un Grammy, a menudo recurre a las capacidades únicas y crudas de la voz humana. Al trabajar con instrumentos, explora sus poderes tímbricos intrínsecos para la expresión: desde efectos de pizzicato violento (pellizcos) hasta acordes resonantes tocados con arco, la obra convierte la acústica en el propio tema. Limestone and Felt explora la textura y el espacio a través del sonido, y las superficies duras y resonantes de la Galería Mays son compañeras de los materiales musicales de esta obra.
Ishi’s Song del compositor estadounidense Martin Bresnick comienza con una transcripción de una melodía de Ishi (el último hablante nativo del idioma Yahi-Yana, de los indios Yahi), cantando lo que él llamaba The Maidu Doctors Song. Bresnick toma este fragmento melódico simple y lo repite, extiende y enriquece, creando un efecto hipnotizante. Aunque hay momentos de esperanza y pasión en esta obra, en última instancia predomina una nostalgia oscura y reflexiva que captura la desintegración de la tribu de Ishi y su lengua nativa.
Estonian composer Arvo Pärt believes that "the instant and eternity are struggling within us.” We hear this struggle in Fratres, a work that begins with frenetic arpeggiations from the violin that yields to a chorale-like melody introduced by the piano. Pärt is fascinated by chant music, and in minimalist, Tintinnabuli-style works like Fratres, Für Alina, and Spiegel im Spiegel, Pärt frames incredibly simple, chant-like melody with glacially slow harmonic motion and straightforward form. Somehow, the result is mystical and elusive. The music is so intentionally basic that it feels fundamental, like some inevitable, universal truth.
Gabriela Ortiz es una compositora nominada al Grammy Latino y una de las compositoras más destacadas de México en la actualidad. Su Estudio no. 3, parte de su conjunto más amplio de Estudios entre preludios, muestra el increíble fuego que puede generar dentro de una estructura limitada y fija. A partir de un pequeño gesto retumbante en la parte inferior del piano, genera un formidable estudio que exhibe una amplia gama de contrastes dinámicos y expresivos. Aunque la sensación rítmica de la música cambia de un pulso virtuoso y diabólico a un ritmo latino, el motor de la pieza nunca se detiene.
Missy Mazzoli es una de las compositoras más destacadas de la actualidad, con obras interpretadas internacionalmente. Ha recibido el Premio de la Fundación para las Artes Contemporáneas en 2015, una Beca Fulbright para los Países Bajos, cuatro premios ASCAP para Jóvenes Compositores y muchos otros. Residente en Nueva York, enseña en el Mannes College. Sobre Lies You Can Believe In, Mazzoli escribe:
"Las 'mentiras' en el título no son falsedades, sino que se refieren a la palabra antigua para una historia improvisada y adornada. Este tipo de mentira no es maliciosa; el proceso de invención y la narración son, en última instancia, más importantes que la verdad detrás de la historia. En esta pieza, creé mi propia 'mentira', una música folclórica urbana inventada y embellecida. Las cuerdas cuentan una historia improvisada, tocando la violencia, la energía, la manía y los raros momentos de calma que se encuentran en una ciudad. Esta pieza está inspirada tanto en la música gitana moderna, el punk y la electrónica, como en la música folclórica tradicional búlgara y rumana."
El estilo compositivo personal y accesible de Caroline Shaw se basa en una profunda comprensión de la forma musical, la textura, el equilibrio y el timbre. Como cantante y violinista, Shaw tiene un entendimiento fundamental de cómo se siente la música de cámara para los intérpretes y cómo escribir de una manera que invite a una buena conversación musical. Root es el movimiento final de su suite de cuatro movimientos The Evergreen, que incluye Moss, Stem, Water y Root. Root es el movimiento más arraigado (literal y musicalmente) de la suite, comenzando con un patrón de balanceo en el violonchelo (que luego pasa a la viola) que persiste durante la mayor parte del movimiento, sobre el cual los otros instrumentos ya sea que apoyan o ofrecen una contramelodía y texturas variadas. Se puede escuchar un crecimiento nuevo y serpenteante a medida que la música se desarrolla, y la obra termina con una esperanza prometedora y una mirada hacia arriba, habiendo evolucionado por encima del suelo.