PROGRAMA
Henrique Oswald | Quinteto para Piano y Cuerdas Op. 18 | Allegro moderato
Heitor Villa-Lobos | Bachianas Brasileiras No. 5
Agustín Barrios | Un Sueño en la Floresta
Astor Piazzolla | Cuatro Estaciones | Invierno Porteño
Gabriela Lena Frank | “Quijotadas” para cuarteto | Alborada | Seguidilla para La Mancha
Astor Piazzolla | Café 1930
Radames Gnattali | “Carinhosa” | “Negaceando”
Astor Piazzolla | Cuatro Estaciones | Primavera Porteña
Laura Vega | Riojana
Astor Piazzolla | Libertango
Pablo Sainz-Villegas, Guitarra
Sin duda el guitarrista virtuoso preeminente de su generación, Pablo Sainz-Villegas recibe un elogio resonante de la prensa mundial, aclamado como el sucesor de Andrés Segovia y embajador de la cultura española a nivel mundial. Su versión del Concierto de Aranjuez es la más aclamada en la actualidad por la crítica y orquestas sinfónicas de todo el mundo. Se destaca como el primer guitarrista solista en actuar en el Carnegie Hall de Nueva York desde la histórica actuación del venerable Maestro Andrés Segovia en 1983. Además, ha grabado su nombre como el primer guitarrista en colaborar con la Orquesta Sinfónica de Chicago desde 2001, así como el único guitarrista en actuar con la Filarmónica de Berlín desde 1983 en su concierto de Nochevieja.
Desde su notable debut con la Filarmónica de Nueva York, bajo la batuta maestra de Rafael Frühbeck de Burgos en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center, Pablo Sainz-Villegas ha pisado escenarios en más de 40 países. Sus actuaciones han resonado en las venerables salas de orquestas eminentes como la Orquesta Filarmónica de Israel, la Orquesta Sinfónica de San Francisco, la Orquesta Tonhalle de Zúrich y la Orquesta Nacional de España. También ha adornado teatros renombrados incluyendo la Sala de Conciertos Tchaikovsky en Moscú, Musikverein en Viena, Concertgebouw en Ámsterdam, Centro Nacional de Artes Escénicas en Pekín y Suntory Hall en Tokio, entre numerosos otros de similar eminencia.
En 2024, Sainz-Villegas debutará con la Orquesta de Filadelfia y la Sinfónica de San Francisco, y realizará una gira por EE. UU. tocando con la Sinfónica de Phoenix, la Sinfónica de Nápoles y la Sinfónica de Houston, entre otras. Estrenará el primer Concierto para Guitarra de Arturo Márquez, escrito para Pablo, en EE. UU. y Canadá y volverá a realizar giras en Colombia, Taiwán y Europa.
Pablo Sainz-Villegas ha deleitado a extensas audiencias que suman decenas de miles. Entre estas ocasiones notables se encuentran actuaciones en el Estadio Santiago Bernabéu en Madrid, cautivando a más de 85,000 asistentes, así como conciertos en lugares distinguidos como el Grant Park de Chicago, la icónica Praça do Comércio de Lisboa y el ilustre Hollywood Bowl, acompañado por la estimada Orquesta Filarmónica de Los Ángeles. Notable entre su repertorio de hazañas remarcables es una actuación en un escenario flotante a la deriva en el río Amazonas, un evento transmitido a innumerables espectadores en todo el mundo.
De la mano con su increíble trayectoria, el éxito de la interpretación de Pablo Sainz-Villegas del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo ha convocado numerosas invitaciones de directores renombrados, incluyendo a Miguel Harth-Bedoya, Alexander Shelley, Richard Egarr y Juanjo Mena. Esta sinfonía colaborativa no solo ha realzado su arte, sino también consolidado su posición entre los virtuosos de nuestro tiempo.
Como artista aclamado con más de treinta premios internacionales, incluidos los premios Andrés Segovia, Francisco Tárrega y Christopher Parkening, y frecuente intérprete en conciertos de representación institucional, Pablo Sainz-Villegas ha tenido el privilegio de tocar, en varias ocasiones, ante miembros de la Familia Real Española, incluyendo su concierto en los Premios Princesa de Asturias en 2021. También ha actuado para otros jefes de estado y líderes internacionales como el Dalai Lama.
En alineación con su arte, como músico afiliado a SONY Classical, ha desvelado tres álbumes, cada uno un testimonio de su destreza musical y espíritu creativo. Su opus más reciente, titulado 'The Blue Album', fue lanzado en junio de 2023.
Pablo Sainz-Villegas cree que la música puede unir comunidades en todo el mundo, razón por la cual es un artista socialmente comprometido. Pablo Sainz-Villegas fundó el proyecto filantrópico “El Legado de la Música Sin Fronteras” en 2006, a través del cual ha compartido su música con más de 45,000 niños y jóvenes en todo el mundo. También es el fundador, inspiración y fuerza motriz detrás de la organización sin ánimo de lucro Cuerdas en Común. Cuerdas en Común es su carta de amor al poder cultural de la guitarra, un instrumento con la capacidad de representar numerosas tradiciones internacionales. En sus palabras, “La guitarra es un instrumento del pueblo. Tiene el poder de llegar a las audiencias y cerrar la brecha entre la música artística y la cultura pop.”
Además, como incansable defensor del desarrollo del repertorio para guitarra clásica, ha estrenado numerosas obras, incluida la primera pieza escrita para guitarra por el renombrado compositor de bandas sonoras y ganador de cinco Oscars, John Williams, así como su dúo ‘A preayer for peace’, creado para Yo-Yo Ma y Pablo. También ha estrenado composiciones de Tomás Marco, Jesús Torres, María Dolores Malumbres, David del Puerto y Sergio Assad, entre otros. Mirando hacia un futuro que ofrece más oportunidades de actuación para guitarristas clásicos, Sainz-Villegas ha encargado obras para guitarra a compositores como Arturo Márquez, Francisco Coll y Laura Vega para estrenar en 2023 y 2025.
Actualmente, Pablo Sainz-Villegas es el director artístico y fuerza impulsora del Festival de La Rioja, un proyecto de su propia concepción que muestra su región natal al mundo, un homenaje a la comunidad animada y solidaria que ha sido parte integral de su crianza y carrera musical.
Pablo Sainz-Villegas vive en Estados Unidos desde 2001 y espera una temporada de actuaciones y colaboraciones con artistas increíbles.
FEATURING
Francisco Fullana, Violin
El violinista español Francisco Fullana, ganador del Avery Fisher Career Grant en 2018, ha sido aclamado como un "talento asombroso" (Gustavo Dudamel) y “frighteningly awesome" (Buffalo News). Su álbum para violín solo Bach's Long Shadow fue nombrado Disco del Mes por la revista BBC Music Magazine. Su reseña de cinco estrellas decía: "Fullana logra combinar la calidez de Itzhak Perlman con el aplomo aristocrático de Henryk Szeryng".
Nacido en Mallorca, España, Francisco se está haciendo un nombre como solista internacional, líder voraz y fundador de residencias educativas innovadoras. Como solista, ha tocado como solistadesde el Concierto para violín de Mendelssohn con la Bayerische Philharmonie dirigida por el fallecido Sir Colin Davis, el Concierto para violín de Sibelius con la Münchner Rundfunkorchester y el Concierto para violín de Brahms con la Orquesta Teresa Carreño de Venezuela bajo la batuta de Gustavo Dudamel. Su versatilidad como intérprete, con y sin director, le ha llevado a actuar con numerosos conjuntos de toda la gama artística: desde grandes orquestas como las City of Birmingham, Vancouver, Aachen, Pacific y Buffalo Symphony Orchestras, las orquestas de cámara de Saint Paul y Philadelphia, al conjunto barroco Apollo's Fire y al nuevo Metropolis Ensemble de música contemporánea. Francisco ha trabajado bajo la batuta de Hans Graf, José Luis Gómez, Alondra de la Parra, Christoph Poppen, Jeannette Sorrell y Joshua Weilerstein, entre muchos otros.
Fullana es uno de los primeros violinistas solistas internacionales en abrazar plenamente el lenguaje barroco y su interpretación historicista. Su pasión por las cuerdas de tripa se ha traducido en fructíferas colaboraciones con grupos barrocos de todo el mundo. La temporada pasada, Fullana fue el artista residente del ensamble Apollo’s Fire, reciente ganador de un Grammy, realizando 18 conciertos incluyendo paradas en el Carnegie Hall y el Severance Hall, entre muchos otros. Recientemente se lanzó su proyecto discográfico conjunto de las Cuatro Estaciones de Vivaldi en Avie Records con gran éxito: el álbum debutó en el puesto número 2 de las listas de Billboard y fue nombrado Top Ten Álbum del año por el Sunday Times. La reseña de la revista BBC Music Magazine decía: "Francisco Fullana revela la poesía de Vivaldi con un refinamiento sin esfuerzo". Esa residencia continuó esta pasada primavera, interpretando Vivaldi en una gira por el Reino Unido, incluyendo paradas en el Festival de Aldenburgh y St. Martin in the Fields.
Los más destacados de los próximos compromisos orquestales de Francisco en 2024 incluyen debuts con la Orquesta de Florida, Sinfónicas de Budapest MAV, Lodz, Pasadena, Rosario, Saarbrucken Radio y la Simón Bolívar, entre muchas otras, así como regresos a las Sinfónicas de Austin y Xalapa, la Filarmónica de Boulder y la Sinfónica de las Americas en Miami. Fullana también volverá como solista-director a las Orquestas de Cámara de Filadelfia y San Antonio y la Sinfónica de las Islas Baleares, dirigiendo programas desde la Sinfónica Júpiter de Mozart y los conciertos para violín de Beethoven y Chevalier de St. Georges hasta sinfonías número 1 y 3 de Beethoven y el Divertimento de Bartók. Sus debuts de recital incluyen la Phillips Collection en Washington DC y el Kravis Center de Palm Beach, L'Auditori de Barcelona, así como recitales en los festivales de Heidelberg, Darmstadt, Dresden, Mecklenburg-Vorlpolmmern y Geizeitenkonzerte con su compañero en dúo, el pianista Matthias Kirchnerheit. En Asia, Fullana hará su esperado regreso esta primavera, ofreciendo recitales por todo el oeste y sur de Japón.
Su pasión por trabajar con orquestas jóvenes y universitarias a través de la Iniciativa Fortissimo se mostrará plenamente esta temporada después de haber debutado recientemente como solista en el Stern Perelman Hall del Carnegie Hall, donde interpretó la Sinfonía Española de Lalo con la Nueva York Youth Symphony, ganadora del premio Grammy este pasado año. Este verano Francisco se embarcará en una gira durante Julio por España con la Joven Orquesta Nacional de España JONDE, estrenando un nuevo concierto de Mikel Urkiza bajo la batuta de Pablo Gónzalez y grabando un nuevo álbum como solista para Orchid Classics.
En 2018, Orchid Classics lanzó su primer disco, Through the Lens of Time, interpretada con la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham bajo la dirección de Carlos Izcaray. El nuevo álbum doble de Fullana con Orchid, Bach’s Long Shadow, yuxtapone dos de las monumentales Partitas de Bach con cuerdas de tripa y una configuración barroca con obras virtuosas para violín solista de los tres siglos siguientes. Su proyecto de grabación para Orchid más reciente, Spanish Light, muestra grandes clásicos y joyas ocultas del repertorio español para violín junto a la pianista española Alba Ventura.
Activo como músico de cámara, Francisco es artista en residencia de Chamber Music Society of Lincoln Center de Nueva York y ha participado en el Festival de Música de Marlboro, incluyendo giras de Musicians from Marlboro,, la Da Camera y LaJolla Societies, y festivales de Moab, Music@Menlo, Mainly Mozart, Music in the Vineyards Newport. Recientemente ha formado un dúo con el extraordinario guitarrista Jason Vieaux, ganador de un Grammy, con el que hará varias giras por los Estados Unidos en 2024-25. Entre sus colaboradores musicales se encuentran Midori, Viviane Hagner, Nobuko Imai, Mitsuko Uchida y miembros de los cuartetos Guarneri, Juilliard, Takács y Cleveland. Las raíces españolas de Francisco también se exploran a menudo en colaboración con artistas hispanos como el guitarrista Pablo Sainz-Villegas y el bandoneonista JP Jofre. Su recital para los Vanguard Concerts de The Violin Channel en Merkin Hall acaba de ser lanzado para su lanzamiento mundial en las principales plataformas de transmisión.
Nacido en el seno de una familia de profesores, Francisco es licenciado por el Real Conservatorio Superior de Madrid, donde se matriculó bajo la tutela de Manuel Guillén. Recibió una licenciatura y una maestría de la Juilliard School después de estudiar con Donald Weilerstein y Masao Kawasaki, y tiene un Artista Diploma de la Universidad de California del Sur USC, donde trabajó con la legendaria violinista Midori.
En 2015, Francisco fue honrado con el Primer Premio en el Concurso de Violín Ángel Munetsugu de Japón, así como con todos los cuatro premios especiales de ese concurso, incluidos los premios del Público y de la Orquesta. Otros premios incluyen Primeros Premios en los Concursos Internacionales de Violín Johannes Brahms y Julio Cardona, el Premio Internacional Pro Musicis y el Concurso Nacional Pablo Sarasate.
A lo largo de su trayectoria ha sido galardonado con diferentes premios y reconocimientos, entre los que destacan el de su ciudad Natal, Palma de Mallorca, el del Consell Insular de Mallorca y el Premio Carlos Ruiz Alonso, que fue el inicio de una estrecha colaboración entre la Fundación María Paula Alonso de Ruiz Martínez y Francisco Fullana que se han mantenido a lo largo de los años. La Fundación ha propiciado la presencia de Francisco en Venezuela, en conciertos y recitales en 2008, 2012, 2014 y 2016 y 2024 su colaboración con el Sistema de Orquestas, que tuvo su máximo exponente con la interpretación del concierto para violín y orquesta de Johannes Brahms, bajo la dirección de Gustavo Dudamel. En 2023 fue galardonado con el Darioush and Shahpar Khaledi Prize en el Festival Napa Valley.
Francisco es un innovador comprometido que lidera nuevas instituciones de educación musical para jóvenes. Es cofundador del Classical Music Summer Institute de San Antonio, donde actualmente se desempeña como líder artístico y asesor. También creó la Fortissimo Youth Initiative, una serie de seminarios musicales y actuaciones con orquestas juveniles, cuyo objetivo es explorar y profundizar el papel de los músicos jóvenes dentro de orquestas de cámara sin director. Los seminarios son profundamente inmersivos y sumergen a los jóvenes en el mundo sonoro camerístico, mientras los inspiran a canalizar su abrumadora energía al servicio de vibrantes estilos de expresión musical más antiguos. Los resultados pueden ser galvánicos y Francisco continúa basándose en estos modelos educativos.
Francisco Fullana toca el violín ex-Kreisler Guarneri del Gesù "Mary Portman" de 1735, amablemente cedido por Clement y Karen Arrison a través de la Sociedad Stradivari de Chicago.
Notas Del Programa
Nacido en Río de Janeiro, Brasil, en 1852, el pianista y compositor Henrique Oswald era hijo de un padre inmigrante suizo-alemán y madre italiana. Sus fuertes raíces europeas sin duda influyeron en su estilo compositivo, que está mucho más arraigado en la tradición europea y romántica de Schumann, Brahms y Schubert que en la música folclórica brasileña. Aunque Oswald escribió bastante música de cámara (sonatas, tríos, cuartetos y el Quinteto para Piano y Cuerdas en el programa de esta noche), la mayoría de sus obras permanecieron inéditas hasta décadas después de su muerte. El primer movimiento del Quinteto, que abre el concierto, es exuberante, romántico, lleno de suspense y esperanza. Cada melodía se eleva con un entusiasmo y coraje que abarca toda la gama de los instrumentos y no deja nada en secreto. Es una escritura pura y sin reservas al estilo romántico; el primer movimiento del Trío para Piano en Si Mayor de Brahms, por ejemplo, tiene una vibración similar, pero el Quinteto de Oswald es más continuo y rellenado en sus arpegios, más conectado en sus líneas melódicas. Nunca abandona su urgencia emocional. El equilibrio entre los instrumentos es excelente: el cuarteto de cuerdas inicia diálogos amorosos, se turnan para iniciar la conversación y nunca pisan los pies de los demás. Justo cuando los violines están terminando un clímax angelical en un registro alto, una entrada rica y cálida en el violonchelo devuelve la música a la tierra. El piano, con sus olas de armonías arpegiadas y acordes exuberantes, es el lecho armónico que mantiene unidas todas estas melodías ardientes.
Las Bachianas Brasileiras de Heitor Villa-Lobos, inspiradas en Bach, son un conjunto de nueve suites con inspiración barroca que mezclan ideas y estilos de ese período con una sensibilidad y expresión brasileña más contemporáneas. Escritas entre 1930 y 1945, cada una tiene una instrumentación única: la No. 1 está escrita para una orquesta de violonchelos, la No. 3 para piano y orquesta, la No. 9 para coro u orquesta de cuerdas, etc. Son experimentales, innovadoras y hablan de la universalidad de la música de Bach para inspirar a alguien como Villa-Lobos, que proviene de un contexto cultural y temporal tan diferente. La Bachiana Brasileira No. 5, originalmente escrita para soprano y una orquesta de violonchelos, consta de un Aria (Cantilena) y un Danza (Martelo). El Aria, interpretada en este programa, es la obra más famosa de Villa-Lobos por una razón. La obra tiene una estructura ABA simple o forma ternaria, común durante el período barroco y especialmente para arias ("Da Capo" es otro nombre para esta forma cuando se aplica a arias), pero el aspecto notable de esta pieza es la pura belleza de su melancólica melodía. El texto que acompaña la sección media de la parte vocal original, escrito por la letrista Ruth Valadares Correa, da una pista sobre el ambiente emocional:
Por la tarde, una nube bonita y soñadora, lenta y transparente, cubre el espacio exterior de rosa. En el infinito, la luna se levanta dulcemente, embelleciendo la tarde, como una amiga amable que se prepara y soñadoramente hace bella la tarde. Un alma ansiosa de ser bonita grita al cielo, la tierra, toda la Naturaleza. Los pájaros se callan ante sus quejas, y el mar refleja toda su [de la luna] riqueza. La suave luz de la luna despierta ahora la cruel saudade [nostalgia o añoranza melancólica] que ríe y llora. Por la tarde, una nube bonita y soñadora, lenta y transparente, cubre el espacio exterior de rosa.
Agustin Barrios Mangore was a Paraguayan virtuoso guitarist and composer from the early 20th century who is cemented in musical history as one of the greatest instrumentalists of all time. Thankfully he can be heard today, as he was one of the first guitarist to make records. His work Un sueño en la Floresta (A Dream in the Forest) is as delicate and beautiful as it is technically challenging. Throughout the work are continuous tremolos, constant repeated notes that lay a harmonic bed underneath the melody, which require the performer to be completely in control of the instrument. The fluidity of that accompaniment creates the magical, impressionistic environment of a peaceful forest scene. Franz Liszt’s famously virtuosic La Campanella comes to mind as a comparison; the “accompaniment” becomes the dazzling aspect of the work.
El compositor argentino Astor Piazzolla fue el líder del movimiento del nuevo tango a mediados del siglo XX, combinando elementos de jazz y música clásica con el tango tradicional. Su música es a la vez feroz y dulce, a menudo utilizando técnicas extendidas para los instrumentos para producir sonidos percusivos crudos, pero también permitiendo una lírica nostálgica y desgarradora. Las Cuatro Estaciones de Buenos Aires de Piazzolla, conceptualmente un homenaje a las famosas Cuatro Estaciones de Vivaldi, son un conjunto de obras de tango originalmente escritas para su conjunto de violín, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y bandoneón. Hay varios arreglos de este hermoso conjunto, y esta noche escucharán la versión para Trío de Piano del famoso violonchelista argentino José Bragato. Tanto en Invierno porteño como en Primavera porteña, los tres instrumentos brillan al turnarse para pasar solos virtuosos antes de lanzarse juntos a tangos vigorosos y percusivos. "Invierno" es quizás el más inusual del conjunto por su carácter altamente indeciso. Tras una breve introducción lenta, la música se calienta en un ritmo de tango antes de, curiosamente, permitir una extensa cadencia de piano. Después de que los otros dos se unen en otro tango frenético, los instrumentos de cuerda se turnan para llorar melodías vulnerables a través de sus instrumentos. Como si esta estructura disyuntiva no fuera suficiente, el movimiento termina extraordinariamente tranquilo, casi en un estilo barroco, con secuencias simples que invitan a la reflexión. Quizás la estructura extraña de este movimiento hable de la imprevisibilidad del invierno; una tormenta dramática y dañina un día podría dar paso a uno pacífico y soleado lleno de polvo reconfortante. "Primavera", por otro lado, es más predecible, aunque no menos intensa. En una estructura bastante directa rápido-lento-rápido, este tango enérgico y apasionado da paso a un solo de violonchelo extremadamente sensible que invita al violín antes de que los tres instrumentos se concentren para un final deslumbrante.
Quijotadas (2007) para cuarteto de cuerdas está inspirado en El Ingenioso Hidalgo don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616). Ampliamente considerada la primera novela moderna, este relato satiriza la España posterior a la Conquista relatando las absurdas aventuras de un hidalgo de mediana edad que emprende en busca de románticos —y seriamente anticuados— ideales caballerescos. El brillante y colorido comentario social resultante de Cervantes aún resuena hoy en día para nosotros en las artes y la cultura popular en general. Quijotadas, que es la palabra española para delirios extravagantes realizados en el espíritu quijotesco, está en cinco movimientos. [Los dos primeros movimientos, en este programa, son]:
I. Alborada: Tradicionalmente una canción española de bienvenida o comienzos, esto está en el estilo de música para el chifro, una pequeña flauta de pan de madera de tono alto tocada con una mano. A menudo es empleada por un trabajador gremial itinerante para anunciar sus servicios mientras camina por las calles del pueblo.
II. Seguidilla: Esta interpretación libre de los enérgicos ritmos de danza de la tierra natal de Don Quijote, La Mancha, también evoca dos instrumentos típicos: la guitarra de seis cuerdas y su prima mayor, la bandurria, que encuentra sus orígenes en la España renacentista.
Escrita en 1985, la obra en cuatro movimientos Histoire du Tango de Astor Piazzolla es tanto una pieza de música irresistible como un documento importante, ya que destaca los cambios del tango a lo largo de varias generaciones, desde 1900 hasta la década de 1980. Sobre su dúo sentimental Café 1930, Piazzolla escribe:
La gente dejó de bailar [el tango] como lo hacía en 1900, prefiriendo simplemente escucharlo. Se volvió más musical y más romántico. Este tango ha sufrido una transformación total: los movimientos son más lentos, con nuevas y a menudo melancólicas armonías. Las orquestas de tango llegan a consistir en dos violines, dos concertinas, un piano y un bajo. El tango a veces se canta también.
Entre los músicos brasileños, Radamés Gnattali es un nombre conocido; aquí, es lamentablemente poco reconocido. Al igual que Henrique Oswald, Gnattali debe su temprano interés en la música clásica a sus padres inmigrantes, que vinieron de Italia y cuya madre era pianista y profesora de música. Al llegar a Brasil, su padre se convirtió en fagotista y director de orquesta. Aunque Gnattali tenía un fuerte interés en convertirse en pianista clásico e incluso interpretó el Concierto para Piano en Si bemol Mayor de Tchaikovsky con la orquesta del Teatro Municipal en Río de Janeiro, su fuerte interés en la música popular en Brasil lo llevó a componer música fuertemente influenciada por la música folclórica brasileña. Gnattali mantuvo una larga carrera como músico multifacético al estilo de Leonard Bernstein: compuso, dirigió, actuó como pianista y enseñó, todo a un nivel muy alto. Las dos obras solistas para piano en este programa ejemplifican su sensible capacidad para incorporar elementos del folclore brasileño y el jazz en obras solistas que podrían ser interpretadas en una sala de conciertos clásica. Carinhosa, "cariñosa", es un vals lento que anhela con un sentimiento agridulce. Tras una introducción florida y bluesy, Negaceando se lanza a un choro (música callejera instrumental brasileña) virtuoso y juguetón que alterna entre un ritmo sincopado pegadizo y cadenzas jazzísticas dramáticas y deslumbrantes que evocan las improvisaciones salvajes de los pianistas de stride.
Compuesta por Laura Vega, Riojana para guitarra y cuarteto de cuerda fue creada en 2023 por encargo de la Asociación Cuerdas en Común para ser estrenada por el guitarrista Pablo Sainz-Villegas y el cuarteto Agarita. La obra toma como punto de partida el himno de La Rioja y otras melodías de origen popular vinculadas a Logroño, ciudad que vio nacer al guitarrista español. Escrita en un solo movimiento la música evoluciona a través de varias secciones que presentan paisajes sonoros muy contrastantes en un viaje musical por tierras riojanas. Desde un tranquilo y melancólico andante inicial, la obra transcurre por secciones rítmicamente marcadas, alegres danzas, momentos líricos y expresivos a cargo de la guitarra sola y sonidos percusivos que incluyen el sonido del tambor en la guitarra, efecto tímbrico que se consigue cruzando las cuerdas más graves. Esta composición musical evoca el paisaje y las tradiciones de esta bella región del norte de España.
El salto de Astor Piazzolla al estilo del nuevo tango, que mezclaba elementos del tango tradicional, la música clásica y el jazz, se representa más claramente en su irresistible obra Libertango, compuesta en 1974. Piazzolla había probado varios otros géneros antes de encontrar su voz en el nuevo tango: música clásica pura, electrónica, una mezcla de rock/jazz, pero figuras musicales influyentes como la renombrada pedagoga Nadia Boulanger (quien, incidentalmente, ayudó a George Gershwin a encontrar su voz también) alentaron a Piazzolla a mantenerse fiel a sus raíces de tango.