AGARITA une fuerzas con TANESHA PAYNE Y eL grupo SUMRSET EN UNA COLABORACIÓN CENTRADA EN EL MOVIMIENTO corporal y CON LA PARTICIPACIÓN DEL VIOLINISTA INVITADO, BRENDAN SPELTZ.
Programa
Tina Davidson | Blue Curve of the Earth
Paul Wiancko | LIFT, Part III
Shostakovich Piano Quintet | IV. Intermezzo, Lento
François Couperin | Les Barricades Mysterieuse
J.S. Bach | Fugue in D minor from The Well-Tempered Clavier | Book 2
Miguel del Aguila | Clocks for Piano Quintet
III. Old Clock’s Story
IV. Sundial 2000 B.C.
VI. The Joy of Keeping Time
Christopher Stark | Other Pines
II. The Former Pines of Villa Ada
III. Pines Near a Fascist Monument
Gabriella Smith | Carrot Revolution
Un especial agradecimiento a Heather Stolle por abrir las puertas de su estudio de baile a Sumrset Movement.
Artistas Invitados
Fundada y bajo la dirección de Tanesha Sumerset Payne, sumRset es una compañía profesional de danza contemporánea enfocada en aumentar la visibilidad, accesibilidad y aprecio por el movimiento como arte escénico en San Antonio y en el extranjero.
Tanesha Payne
Cuando un antiguo profesor le dijo a Tanesha Payne (ella/elle), "el mundo es un escenario", ella lo encarnó y nunca miró hacia atrás. Como artista del movimiento con base en San Antonio, Texas, ella se presenta, coreografía, educa y aboga por todo lo relacionado con la danza. Tiene una licenciatura en Estudios de Danza de la Universidad Estatal de Texas y una maestría en Coreografía de la Universidad de Jacksonville. Si bien valora la academia y las puertas que le ha abierto, también encuentra inspiración en su experiencia de vida, la cual ayuda a desarrollar sus procesos creativos y su presencia afectiva en el escenario y como educadora.
Su afinidad por nuevas experiencias le ha brindado diversas oportunidades. Además de ser artista docente de Wolf Trap, ha tenido el privilegio de trabajar estrechamente con Jennifer Archibald, Alonzo King, Michael Foley, Rennie Harris’s Puremovement y Lula Washington, por nombrar algunos. Recientemente, el trabajo de Tanesha fue destacado en el documental The Quilt: A Living History of African American Music, tres comerciales nacionales de Dell y la producción de The Public Theatre de Once on This Island: A musical. Le apasiona la naturaleza comunal de la danza y el simple hecho de que permite que nuestros cuerpos hablen. Su aprecio por la humanidad alimenta su pasión por el movimiento y respalda su amor por la colaboración.
Felicia McBride Guerra
La carrera profesional de baile de Felicia comenzó a los 18 años cuando fue contratada para bailar con Ballet Austin 2. Luego se convirtió en miembro del Dominic Walsh Dance Theater en Houston, TX, donde interpretó obras de Jiri Kylian y Matts Ek. Mientras bailaba con el Dominic Walsh Dance Theater, Felicia interpretó el papel principal de 'Julieta' en la producción de "Romeo y Julieta" de Walsh. Más tarde, la Sra. Guerra se unió a Hubbard Street 2, donde formó parte de muchas creaciones originales y giras por Estados Unidos y Alemania. Durante su tiempo en Chicago, Felicia aprendió a bailar en zancos con la Kristina Isabelle Dance Company y viajó a Deventer, Países Bajos, para participar en el Festival Deventer Op Stelten en 2014. Mrs. Guerra ha actuado como invitada con varias compañías, incluyendo Les Grands Ballet Canadiens en Montreal y Owen/Cox Dance Group en Kansas City.
En 2016 Felicia regresó a su ciudad natal de San Antonio, donde continúa trabajando de forma independiente, coreografiando y enseñando pilates. Su enfoque actual es el desarrollo continuo de "MESH", una velada de conexión a través del arte visual, la danza y la música.
Grace Hoyland
La apreciación y el amor de Grace por el baile han crecido constantemente a lo largo de los años y con cada nueva oportunidad de bailar y moverse. Aunque siempre estaba bailoteando en casa, empezó a aprender más oficialmente métodos de baile mientras estaba en la escuela primaria en el medio oeste. El baile fue un factor importante al decidir los próximos pasos después de la escuela secundaria, y al asistir a St. Olaf College, participó en una variedad de clases de movimiento y teoría del baile, además de formar parte del programa de baile de la compañía. Colaboró en numerosas obras dirigidas por estudiantes, profesores y artistas con sede en Twin City, y también se desafió a sí misma para crear algunas por su cuenta. A lo largo de su vida adulta, ha continuado buscando una comunidad de baile en la medida de lo posible. Formar parte de SummeRset Movement ha sido la mayor alegría de vivir en San Antonio. Cada comunidad de baile en el camino ha traído a su vida a algunas de las personas más creativas, amables y únicas. Estas comunidades y las conversaciones sobre proyectos han mejorado completamente su comprensión del mundo y la comunidad en la que vive. Grace se siente honrada y emocionada de colaborar con los demás bailarines y músicos de Agarita. Cuando no está bailando, Grace disfruta de una variedad de otras actividades, como hacer senderismo, correr, cocinar y explorar el área de San Antonio con familiares y amigos.
Rhea Patterson
Rhea Patterson, natural de Midlothian, Virginia, obtuvo su B.F.A en Interpretación de Danza Moderna de la Universidad de las Artes en Filadelfia, PA, y su M.A. en Administración de las Artes de Goucher College en Baltimore, MD.
Rhea comenzó su carrera artística como bailarina de concierto, obteniendo acreditación profesional a través de Urban Bush Women, INSPIRIT, una compañía de danza, NathanTrice Rituals, Dayton Contemporary Dance Second Company, Bermuda Dance Company, Hope Boykin Dance y Eleone Dance.
En 2006, la Sra. Patterson realizó una inesperada transición al teatro musical al ser seleccionada para la gira nacional de Sweet Charity de Broadway, seguida por las compañías de Broadway de Wicked, el renacimiento de Guys and Dolls y el elenco original de Aladdín de Disney.
Rhea actualmente reside en San Antonio con sus 2 hijos y trabaja como instructora de Pilates privada y grupal a tiempo completo. Su trabajo está fuertemente influenciado por su experiencia en danza, movimiento somático, atención plena y sanación con reiki.
Brendan Speltz
Notado por su "calidez expresiva" [Chicago Classical Review], el violinista con sede en NYC y nacido en Los Ángeles, Brendan Speltz, es miembro del renombrado cuarteto de cuerdas Escher y artista estacional en la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center. Los aspectos más destacados de este año incluyen presentaciones en la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center, el Festival de Música de Aspen, el Festival de Música de Cámara de Santa Fe, el Festival de Música de Savannah y Wigmore Hall, entre otros. También ha realizado giras con conjuntos innovadores como A Far Cry, Ethel, Harlem Quartet, Shuffle Concert y Manhattan Chamber Players, así como con miembros de los cuartetos Guarneri, Juilliard, Orion y Dover. Firme creyente en el poder de la música clásica para llegar a los adultos jóvenes, Speltz ha producido eventos de conciertos innovadores en EE.UU. y Canadá, descritos por The New Yorker como "Emocionantes, conmovedores, inesperados y completamente DIY". Entre las producciones recientes se encuentra la curaduría del concierto de clausura de la prestigiosa Chamber Fest Ottawa en 2018 y, antes de eso, la co-creación de una presentación interdisciplinaria de Different Trains de Steve Reich con el grupo de danza aérea ABCirque, patrocinada por Meyer Sound Labs en Brooklyn. En NYC, ha actuado como invitado con el New York New Music Ensemble, Mark Morris Dance Group, American Ballet Theatre, The American Symphony y la Orquesta de St. Luke. Obtuvo su licenciatura en la Universidad del Sur de California con la concertino de Los Ángeles, Margaret Batjer, y su maestría en la Manhattan School of Music con Laurie Smukler. Toca un violín Carl Becker de 1925..
Notas del Programa
Nacida en Estocolmo, Suecia, pero criada en Oneonta, Nueva York y Pittsburgh, Pensilvania, la compositora estadounidense Tina Davidson ha tenido una carrera de más de 40 años encargando obras para aclamados conjuntos, orquestas y solistas. Su obra para violín y piano, Blue Curve of the Earth, formó parte de un proyecto de encargos realizado por la violinista Hilary Hahn, y ha recibido elogios por su cautivador e innovador inicio, su poderosa narrativa y sentido del diálogo entre los instrumentos, y un lenguaje armónico accesible. Para esta presentación especial de Agarita, se ha añadido una introducción improvisada con el fin de ajustarse a la coreografía. Durante la estadía de Davidson como artista en residencia en la Fundación Ucross, experimentó aspectos del vibrante mundo natural que inspiró "Blue Curve of the Earth":
"Wyoming, ese noviembre, fue turbulento, con el clima retorciéndose y girando sobre sí mismo, antes de calmarse con la nieve. Mientras escribía, era consciente de todos los azules diferentes del paisaje; azul-azul, gris-azul, azul de montaña, azul de agua, y el constante movimiento del mundo. Tenía la sensación de crear un sonido azul de cuerda, que se retorcía hacia adentro y hacia afuera, y subía a lo largo de la curva de la tierra, la hermosa curva que llamamos hogar."
Recientemente unido al legendario y pionero Kronos Quartet, así como convirtiéndose en el Director de Música de Cámara en el Festival de Spoleto, el violonchelista Paul Wiancko es un músico de cámara, director y compositor activo con intereses estéticos multifacéticos. Su música a menudo combina elementos folclóricos con formas clásicas más tradicionales, y el resultado es una perspectiva musical fresca que se siente como un faro de esperanza para la próxima generación. LIFT en su totalidad es un tour de force para el género de cuarteto de cuerdas, incorporando elementos de jazz, improvisación, hip-hop y folk para generar algo auténtico y conmovedor. Wiancko escribe:
“LIFT es una investigación de la euforia en su forma musical... Exploré con alegría la capacidad de la armonía, el color y el ritmo en sí mismo para evocar e inspirar. [La] pieza representa en última instancia el viaje de un alma, detallado de forma ferviente y celebratoria.”
El tercer movimiento, interpretado en este programa, tiene tres secciones contrastantes. La primera sección, tranquila, paciente y fría, está titulada “Glacial”. De manera estridente pero intencional, la segunda sección "Maniacal" es una loca mezcla de melodías inspiradas en el jazz y ritmos sincopados. La sección final "Lift" es una ascensión inspirada en el minimalismo que irradia esperanza, amor, sabor y alegría descontrolada.
`
Cuando se considera la música de cámara de Dmitri Shostakovich, uno normalmente piensa en sus 15 potentes cuartetos de cuerda, los cuales capturan bien su viaje estético y psicológico como compositor. Tiene sentido entonces que haya escrito de manera tan natural para Quinteto de Piano, que es un cuarteto de cuerdas más piano, el instrumento que dominaba y para el cual componía en su mayoría. Su Quinteto para Piano y Cuerdas en si menor fue escrito en 1940 en el umbral de la guerra de la Unión Soviética con Alemania, y a diferencia de algunas de sus primeras obras, recibió una cálida acogida. En su conjunto, la pieza varía en estado de ánimo entre expresiones melancólicas y alegría vibrante, lo cual normalmente es sarcástico en Shostakovich, pero en esta obra se siente como una genuina positividad. El cuarto movimiento presentado aquí, Intermezzo. Lento, cae más en el ámbito melancólico: una melodía llorosa bastante vulnerable del primer violín abre el movimiento, acompañada por la línea de bajo pizzicato (punteado) del violonchelo. Después de algunos otros dúos e interludios sensibles, la música aumenta en intensidad hacia un clímax dramático. Como "intermezzo", uno podría esperar que el movimiento fuese un interludio un tanto trivial. ¡Pero para nada!
Francois Couperin fue uno de los grandes compositores del Barroco francés, un estimado clavecinista y organista cuyo libro L’art de toucher le clavecin ("El Arte de Tocar el Clavicémbalo") es famoso por sus detalles sobre digitaciones sugeridas, técnica de ejecución, ornamentación y otros aspectos técnicos importantes para tocar el teclado. Los volúmenes de música para teclado de Couperin son abrumadores e increíblemente variados, rebosantes de personalidad y expresividad. Este programa ofrece una humilde aunque muy conocida pieza del Sixiéme Ordre de sus Pièces pour Clavecin: Les Barricades Mystérieuses. Existe mucha especulación sobre el significado de este título. Algunos consideran que "las misteriosas barricadas" pueden ser un velo, pestañas o una máscara; otros creen que puede ser una referencia oculta a la francmasonería. Para mí, mystérieuses es la palabra más útil, ya que la música misma parece estar en constante flujo, dando vueltas y vueltas en secuencias armónicas mientras las diferentes voces persiguen entre sí dentro de la textura. La naturaleza circular de la música deja al oyente cautivo en un constante flujo de notas y armonías que son tan hermosas como efímeras. Por más animada que suene la música, hay una simplicidad e inevitabilidad en su expresión que resulta fascinante. Este es el verdadero "intermezzo" del programa, mientras los bailarines reorganizan las cosas para la fuga que está por venir.
Cada uno de los dos volúmenes del monumental Clave bien temperado de J.S. Bach presenta 24 Preludios y Fugas, uno para cada tonalidad posible. Esta es una ecléctica colección de piezas en diferentes estados de ánimo, rica en variedad estilística y referencias musicales. Los Preludios son una hermosa demostración de rango emocional, desde serenos y reflexivos hasta dramáticos y tormentosos. Las Fugas ejemplifican la maestría de Bach en la composición: no solo estas texturas de 3 y 4 voces están elaboradas de forma orgánica y fluyen naturalmente, sino que también ofrecen una increíble expresión musical y tienen su propia narrativa. La Fuga en re menor del Libro 2 del Clave Bien Temperado es impactante en su expresión dolorosamente sincera: el sujeto de apertura lucha en sus tríos por elevarse, y una vez que alcanza su punto máximo, el descenso es por medio de semitonos cromáticos, un símbolo de desesperación de esa época de la música y especialmente para Bach. Por supuesto, la obra no estaba destinada a ser interpretada por tres instrumentistas de cuerda, sino por un clavecinista. Sin embargo, con el arreglo especial para trío de cuerdas de Agarita, se puede escuchar con mayor facilidad las líneas distintas, cómo crean un diálogo entre sí y sentir todo el lirismo expresivo que la interpretación con cuerdas puede revelar.
Nacido en Montevideo, Uruguay, el compositor Miguel del Águila huyó de su país a la edad de 21 años para perseguir una carrera musical en los Estados Unidos, donde ha mantenido una carrera exitosa durante más de cuatro décadas. Su música a menudo incorpora sus raíces latinoamericanas, y en este programa esa mezcla estilística es más evidente en el movimiento "La alegría de mantener el tiempo". Clocks es un quinteto para piano que es programático, lo que significa que la narrativa musical de la pieza trata sobre algo externo a la música misma. En este caso, la música representa diferentes aspectos de los relojes. "La vieja historia del reloj" es una ilustración musical suave y reflexiva de cómo podría sentirse un reloj antiguo, rebosante de paciencia y sabiduría. "Reloj de sol 2000 a.C." es una escena mucho más intensa y primitiva de un antiguo reloj de sol que es crudo y primitivo. Un canto visceral acompaña la ardiente interpretación instrumental. "La alegría de mantener el tiempo" presenta las raíces latinoamericanas del compositor con un baile lleno de ritmos extáticos y solos apasionados. En cuanto a su propia intención al escribir para el género de quinteto para piano, Miguel del Águila explica:
Traté de evitar el sonido típico del quinteto para piano, que está tan asociado con los quintetos de Brahms y Mozart. El tema de los relojes me permitió explorar diferentes tipos de sonido y formas de producirlo utilizando notas de cuerdas pulsadas para el piano, registros extremadamente agudos y pizzicatos, así como ostinatos rítmicos en las cuerdas. El piano se utiliza como un instrumento más dentro del conjunto y no como el instrumento dominante como en los quintetos habituales. Solo en el último movimiento el piano asume un papel más dominante
Christopher Stark es un compositor estadounidense cuya música suele tener sus raíces en el Oeste de los Estados Unidos, y cuya fascinación por diferentes geografías y paisajes lo ha llevado recientemente a producir obras especialmente influenciadas por la naturaleza. Durante su año en Italia, después de ganar el prestigioso Premio Roma de la Academia Estadounidense en Roma, Stark escribió varias grandes obras de cámara, incluido el Trío para Piano en este programa titulado Otros Pinos. Respecto a la obra en general, el compositor explica que sus primeras incursiones en la ciudad de Roma cuando llegó fueron a los bosques de pinos que inspiraron la famosa obra orquestal de Respighi, Las Pinos de Roma. Se sorprendió al ver lo diferentes que eran los pinos en cuatro áreas distintas de la ciudad: el Vaticano, Villa Ada, varios monumentos asociados con Mussolini y el Parco del Pineto. Cada movimiento de su trío de cuatro movimientos representa un tipo de pino distinto en su contexto dentro de la ciudad. Dos de estas escenas, Los Antiguos Pinos de Villa Ada y Pinos Cerca de un Monumento Fascista, se interpretan en este programa. Aunque ambos movimientos tienen una estética minimalista, con largas secciones de textura similar que generan anticipación, hay una progresión en las armonías que finalmente transmiten una historia potente, quizás amonestadora.
Gabriella Smith, joven compositora estadounidense de tan solo 32 años, ha logrado un impresionante currículum, con interpretaciones de su música por la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de San Francisco, Roomful of Teeth, Eighth Blackbird, Bang on a Can All Stars, Aizuri Quartet y muchos más. "Carrot Revolution," escrita en 2015, es una pieza muy percusiva considerando que está escrita para cuatro instrumentos de cuerda; técnicas extendidas inusuales permiten que los instrumentos varíen en un espectro entre raspaduras ruidosas sin tono y tonalidades más normales. La variedad de influencias a lo largo de la pieza, desde bluegrass, Joni Mitchell y Simon & Garfunkel hasta J.S. Bach y Gyorgy Ligeti, se deriva de la inspiración conceptual para la pieza. Smith fue impactada por una cita atribuida a Cézanne en una novela de Émile Zola, que dice:
"El día llegará en que una zanahoria recién observada comenzará una revolución."
Para Smith, celebrar el poder de la observación fresca, sea cual sea el objeto, es lo que su Cuarteto de Cuerdas busca lograr sonoramente. El resultado para el oyente es una exhibición cruda y dinámica de estilos variados que se comprometen plenamente con su propia voz expresiva. Justo cuando un objeto sonoro escala lo suficiente en intensidad como para justificar una "revolución," la música se dirige hacia otro. El cuarteto es un vivido caleidoscopio de sonido estadounidense y clásico que parece girar a voluntad.