Agarita colabora con el compositor Ethan Wickman, las cantantes Tynan Davis y Megan Pachecano, y el organista Andrew Lloyd en un programa exótico en la emblemática Capilla del Verbo Encarnado, que incluye el estreno de Shimmers of Byzantium de Wickman, entre otras obras inspiradas.

INTÉRPRETES DESTACADOS

Tynan Davis, mezzosoprano
Andrew Lloyd, órgano
Megan Pachecano, soprano
Ethan Wickman, oud

PROGRAMA

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Tynan Davis es una vocalista y ser humano lleno de alegría. Ganó un Grammy a la Mejor Grabación de Ópera con el Boston Modern Orchestra Project por Fantastic Mr. Fox, interpretando a una rata de bodega borracha de sidra llamada Rita. Ha estado de gira con Wynton Marsalis y la Jazz at Lincoln Center Orchestra, así como con la gira norteamericana del 25.º aniversario de El Fantasma de la Ópera.

Su álbum de jazz en solitario, TYNAN, está disponible en la mayoría de las plataformas de streaming y está lleno de canciones alegres que seguro conocerás y adorarás. Entre sus colaboraciones musicales favoritas se encuentran Roomful of Teeth, Cantata Profana, Artefact Ensemble y The All’s Well Sisters.

Tynan también es una profesora y ponente apasionada, madre de un hijo ridículamente adorable y esposa de un Maestro de Utilería de Broadway increíblemente creativo.

S. Andrew Lloyd, cuya música ha sido descrita como “monumental, sobrecogedora y capaz de dejarte boquiabierto de asombro” (Classical Music Sentinel), es organista de conciertos, compositor, y actualmente ostenta el título de Becario Bess Hieronymus y Profesor Asistente de Órgano y Composición en la Universidad de Texas en San Antonio. También fue Artista en Residencia Marlin K. Jensen en la Universidad de Utah durante el curso 2019/2020, y ha trabajado anteriormente en la Universidad del Norte de Texas y en la Universidad de la Mujer de Texas.

Ganador de un encargo de la Fundación Barlow y del primer concurso de la Beca Ariel Bybee para una colección de canciones de arte escritas para la soprano Rachel Willis-Sørensen, las composiciones de Lloyd se han interpretado en todo el mundo, incluyendo el Carnegie Hall, la Cathédrale de Notre Dame y La Trinité en París, la Catedral Nacional de Washington D.C., Riverside Church en Nueva York, Trinity Church y Methuen Hall en Boston, el Tabernáculo de Salt Lake, la Catedral Católica de Moscú, y salas en Sudáfrica, Suiza, Taiwán, y en las convenciones nacionales de la American Guild of Organists de 2024, 2018 y 2016 en San Francisco, Kansas City y Houston, respectivamente.

Sus obras han sido interpretadas por artistas y conjuntos de renombre como la soprano Rachel Willis-Sørensen, la pianista húngara Éva Polgár, los organistas Richard Elliott y Monica Berney, Rick Bjella y el Coro de Cámara de San Antonio, Jerry McCoy y el Coro de Fort Worth, Ryan Chatterton y los Artistas Corales de Fort Worth, Steve Durtschi y el Coro de Cámara Cantorum, el barítono Jeffrey Snider, la violinista Julia Bushkova, el tenor William Joyner, y la soprano Jennifer Youngs.

Su monumental misa de arte, Christus, fue grabada en 2017 bajo el sello Neumark y fue destacada en el programa Pipedreams de la radio pública en diciembre de 2018.

Como recitalista activo, Andrew Lloyd ha ofrecido conciertos en todo el mundo, incluyendo: el Tabernáculo de Salt Lake, como solista destacado en el prestigioso Festival Internacional de Órgano Eccles en la Catedral de la Magdalena de Salt Lake City, el Auditorio Hill de la Universidad de Míchigan, La Merced en Ciudad de Panamá, y en salas de Florida, Idaho, Iowa, Kansas, Luisiana, Míchigan, Texas, Utah, Virginia y el estado de Washington.

Originario de Spokane, Washington, Lloyd (n. 1979) obtuvo títulos en la Universidad del Norte de Texas (DMA), la Universidad de Kansas (MM), y la Universidad Brigham Young (BM). Estudió con renombrados compositores y organistas como Forrest Pierce, Jon Nelson, Andrew May, James Worlton, James Higdon, Jesse Eschbach, Douglas Bush, Janet Ahrend, y Barbara Lloyd.

Elogiada por su “soprano lúcida” (The New York Times), Megan Pachecano ha actuado en escenarios como el Carnegie Hall y el Metropolitan Opera, bajo la batuta de Yannick Nézet-Séguin, Gustavo Dudamel y otros artistas ilustres. Su “soprano lírica y resplandeciente” (Opera News) ha brillado en papeles poco comunes como Beatriz en La hija de Rappaccini de Catán con Chicago Opera Theater, una producción nominada al Emmy, y el papel principal de Lady Jane Grey en el estreno mundial y grabación comercial de The Chronicle of Nine: The Tragedy of Queen Jane de Rosner, junto a los conjuntos ganadores del Grammy Odyssey Opera y Boston Modern Orchestra Project.

Otras experiencias memorables incluyen una actuación retransmitida en directo en Radio Television Hong Kong como Valencienne (La viuda alegre) con Musica Viva HK y numerosas producciones con el Coro del Metropolitan Opera. Entre sus papeles favoritos se encuentran Adina (L’elisir d’amore), Norina (Don Pasquale), Susanna (Le nozze di Figaro), Fiordiligi (Così fan tutte), Cunegonde (Candide), Cenicienta (Into the Woods), Frasquita (Carmen), Anne Page (Sir John in Love), la entrenadora de Farinelli (Vinkensport, or The Finch Opera), Younger Alyce (Glory Denied) y Echo (Ariadne auf Naxos).

Ha cantado con la Bayerische Staatsoper, Austin Opera, el Festival Internacional de Música de Caramoor, Opera Saratoga, American Lyric Theater, St. Petersburg Opera, Opera Company of Middlebury, Opera in Williamsburg y con la Orquesta de Nueva España en el Festival Soluna de la Orquesta Sinfónica de Dallas, entre otros.

Como solista habitual en conciertos, la Sra. Pachecano ha interpretado el Mesías, Israel en Egipto, Sansón, Jephtha y Saúl de Händel, y debutó como solista en el Lincoln Center, en Alice Tully Hall, con un fragmento de Judas Maccabaeus. También ha interpretado solos en la Gran Misa en do menor, Misa de la Coronación, Réquiem y Exsultate, jubilate de Mozart; la Misa Lord Nelson y la Pequeña Misa del Órgano de Haydn; Shéhérazade de Ravel; Die Ruinen von Athen de Beethoven y la Bachianas Brasileiras n.º 5 de Villa-Lobos. Ha actuado con la Helena Symphony, Wheeling Symphony, San Antonio Mastersingers y SA Phil, Round Rock Symphony Orchestra, Mid-Texas Symphony, Astoria Symphony Orchestra, Colorado Pops Orchestra, Ad Astra Music Festival, Westminster Choral Festival y Grace Chorale of Brooklyn. Fue solista en la grabación American Choral Music con el sello Naxos, y recientemente interpretó Zuipaqui de Zipoli con Opera Hispánica en la retransmisión en directo “Serenata a la Virgen de Guadalupe” para la cadena de televisión Univisión.

Próximamente, debutará con el emocionante conjunto de cámara Agarita de San Antonio, interpretando Shimmers of Byzantium de Ethan Wickman.

La Sra. Pachecano presentó un recital solista de cabaré dentro del ciclo de conciertos del Teatro Odeon y ha participado en espectáculos de teatro musical en el Ensemble Studio Theatre, The PIT y Daryl Roth Theatres en Nueva York, además de tener el honor de cantar en el homenaje a Peter Shaffer en el American Airlines Theatre de Broadway.

Creó el papel de Elizabeth en el álbum del reparto de Son of the Storm de Melillo y fue solista en la grabación American Choral Music de Naxos. Como Artistas Invitadas en la Universidad Estatal de Colorado, ella y la mezzosoprano Sarah Nelson Craft ofrecieron un recital de dúo de canción artística titulado The Tides of Love. Han recibido elogios por la calidad de sus voces, descritas como “flexibles y luminosas” y destacadas por su “canto fluido y vigoroso”.

Como ponente invitada, la Sra. Pachecano ofrece regularmente seminarios educativos y fue presentada recientemente por la serie de conciertos Belle Époque Magique en Leysin, Suiza, en formato dual de taller y recital.

La Sra. Pachecano posee un Máster en Canto Clásico por la Manhattan School of Music y un Grado en Interpretación Vocal por la University of Texas at Austin (Butler School of Music). Es miembro con derecho a voto de los Grammy y forma parte del Comité de Membresía Clásica de la Recording Academy.

Descrito como un “compositor con soltura e imaginación, del tipo que despierta una respuesta tanto en los intérpretes como en el público” (The New York Times), la música del compositor Ethan Wickman (n. 1973) ha sido interpretada por solistas y conjuntos en escenarios de Estados Unidos y de todo el mundo. Ha recibido becas y encargos de entidades como la Barlow Endowment, Meet the Composer, el American Composers Forum, la Wisconsin Music Teachers Association, el Utah Arts Festival, el San Antonio Opera Guild y Music In The Loft de Chicago, donde fue Compositor Residente durante la temporada 2014-2015.

Wickman fue galardonado con el Premio Jacob Druckman por su obra orquestal Night Prayers Ascending en el Festival de Música de Aspen, el Premio Harvey Phillips por su obra Summit otorgado por la International Tuba Euphonium Association, obtuvo el primer lugar en el Concurso de Composición de Cámara del Utah Arts Festival, y fue finalista en la 25ª edición del Concurso de Composición Orquestal Rudolf Nissim de ASCAP.

Ha recibido becas del Aspen Music Festival, el Norfolk Contemporary Music Workshop/Escuela de Música de Verano de Yale, la Wellesley Composers Conference, las Lecturas de Música Nueva Earshot de la American Composers Orchestra, y del Departamento de Estado de EE.UU. como Becario Fulbright en Madrid, España.

Sus obras han sido interpretadas por conjuntos como la Aspen Concert Orchestra, el Avalon String Quartet, el Soli Ensemble, la Newton Symphony, el Gryphon Trio, Flexible Music, el Minneapolis Trio, el Novo Ensemble, Ensemble 61, el Post-Haste Reed Duo, Zeitgeist, entre muchos otros intérpretes en salas como Carnegie Hall, el Kennedy Center, y en universidades y auditorios tanto en Estados Unidos como en el extranjero.

Sus grabaciones recientes han recibido elogios de la crítica como “el cuarteto de cuerda nuevo más atractivo que he escuchado en mucho tiempo” (Fanfare), “épico y onírico” (The New York Times), “absorbente” (American Record Guide), y dotado de una “asombrosa amplitud y aplomo” (Time Out Chicago).

Wickman posee un Doctorado en Composición Musical (DMA) por el College-Conservatory of Music de la University of Cincinnati, y títulos adicionales de la Boston University (MM) y la Brigham Young University (BM). Anteriormente formó parte del profesorado de la Indiana University-South Bend y de la University of Wisconsin-Eau Claire, y actualmente es Profesor de Composición y Teoría Musical en la University of Texas at San Antonio. Además, entre 2015 y 2020, fue Director Ejecutivo de la Barlow Endowment for Music Composition en la Brigham Young University.

Notas del Programa

Habil-Sayagi (En el estilo de Habil) de la compositora azerbaiyana Franghiz Ali-Zadeh es originalmente una obra para violonchelo y piano, inspirada en la destreza artística de Habil Aliyev, un virtuoso del kamancheh (“pequeño arco”), un pequeño instrumento persa de cuerda frotada. Las técnicas extendidas únicas que Ali-Zadeh indica para el pianista incluyen colocar perlas sobre las cuerdas del piano, así como también pulsarlas para proporcionar un timbre exótico y único. El uso especial del registro alto del violonchelo, el uso de escalas de Oriente Medio y las instrucciones para golpear el instrumento, todo ello proporciona un sabor especial de tipo folclórico. Estas técnicas ayudan a imitar instrumentos como el kamancheh, el tar (laúd de cuello largo), el ud (laúd de cuello corto), el däf (un tambor de concha) y el gosh-nagara (pequeña pareja de timbales de barro). Una improvisación en solitario de Tynan Davis será un preludio que establecerá el tono para esta obra altamente emocional, que hemos arreglado para incluir

El "Trío Dumky" del compositor checo Antonín Dvořák es, con justicia, una de sus obras más adoradas de música de cámara. Es un homenaje sincero a su tierra natal bohemia, lleno de danzas de contrastes salvajes que oscilan entre lo vibrante y alegre, hasta lo devastadoramente melancólico. Como resultado, la pieza es emocionalmente rica y estructuralmente impredecible, permitiendo que los elementos folclóricos crudos e improvisatorios tengan prioridad sobre la forma clásica tradicional. El cuarto movimiento, que se presenta en el programa de esta noche, comienza con una textura pensativa, similar al tic-tac de un reloj, sobre la cual el violonchelo canta con pasión. El inevitable patrón de acompañamiento, que regresa a lo largo de la pieza, se ve acentuado por estallidos juguetones y distraídos, así como momentos de inesperada dicha.

La violonchelista española Andrea Casarrubios es una aclamada solista y música de cámara, con actuaciones en toda Europa, Asia, África y América. Ganadora del Primer Premio en numerosos concursos y galardones internacionales, Casarrubios ha tocado en el Carnegie Hall, el Walt Disney Concert Hall, el Lincoln Center, así como en los Festivales Piatigorsky, Ravinia y Verbier. Además de sus logros como violonchelista, es una compositora de clase mundial, habiendo ganado un Premio GRAMMY 2024 en la categoría de Mejor Composición Clásica Contemporánea por su obra para violonchelo solista Seven. Sobre su obra Maktub, Casarrubios escribe:

Este trío fue escrito en Los Ángeles para el VI Festival Boccherini en España. El primer movimiento, Mirage, describe paisajes sonoros del desierto, en los que la música viaja desde la desorientación hasta una feroz y enloquecedora danza folclórica. He vivido en Estados Unidos desde los 18 años, y es uno de los lugares más maravillosamente cosmopolitas que jamás haya encontrado. Maktub tiene esas influencias impregnadas en el tejido de su música. En las Américas, junto con viajes musicales a Asia y Europa, conocí a personas de diversos orígenes, personas de las que aprendí enormemente, que me abrieron un amplio rango de conocimientos, pensamientos y sonoridades.

Con Robert Schumann como mentor y Franz Schubert como uno de sus ídolos musicales, era inevitable que Johannes Brahms se dedicara a los lieder o canciones de arte. La perfecta unión entre poesía y música, estas canciones ofrecían a los compositores románticos la oportunidad de expresarse de manera vulnerable, contar una historia clara y usar técnicas musicales para aclarar o realzar el significado de las palabras. El dúo op. 20 no. 2 de Brahms, Den gordischen Knoten (“El Nudo Gordiano”), es una expresión del poderoso y trascendental vínculo del amor. Originalmente para dos voces y piano, la obra se interpreta con órgano en este programa. Los pacientes “puntos de pedal” (notas de bajo repetidas) y la escritura vocal angelical invitan a los coloridos registros del órgano a imbuir la canción de un timbre sagrado e inmortal. La letra de la canción, traducida por Emily Ezust, es la siguiente:

El Nudo Gordiano

El nudo que el amor ha atado,
¿Puede romperse, puede desatarse
Por manos mortales?
¿Qué es lo que buscas? ¿Qué es lo que ideaste
Con tus astutas intenciones?
Por lo que estás emprendiendo,
El amor encontrará el camino.

Y si él fuera encerrado,
Y si fuera injustamente condenado,
Con su nombre sellado
Y nunca pronunciado,
Vientos compasivos,
Volverían a mí
Y me traerían noticias
Y me lo traerían.

Si estuvieras lejos al otro lado de las montañas,
Si estuvieras lejos al otro lado del mar,
Caminaría por las montañas,
Nadaría por el mar;
Si, mi amor, fueras una golondrina
Y volaras por el arroyo,
Yo, mi amor, sería una golondrina
Y volaría tras de ti.

Emmy Wegener, nacida en 1901 en Ámsterdam, fue poeta, violinista y compositora. Su Suite para Trío de Cuerda es una de sus primeras obras. Su carácter encantador y desenfadado la convierte en un respiro emocional en medio de este programa bastante serio. He programado los movimientos en orden invertido, comenzando con el segundo movimiento Fugato, pasando al primer movimiento Moderato y terminando con el tercer movimiento Scherzo. El Fugato está escrito con ironía, comenzando con una cierta rigidez académica, pero terminando con un acorde de jazz peculiar. El movimiento Moderato está lleno de pizzicatos inciertos (pellizcando la cuerda) y trinos, y solo de vez en cuando emerge una melodía. Es una gran interrogante. El movimiento Scherzo es abiertamente neoclásico, sonando como una obra apresurada de Mendelssohn. Muy correcto, casi barroco, y claramente una broma.

¡Morgen! (“¡Mañana!”) es la última de las cuatro canciones del opus 27 de Richard Strauss, basada en el poema de John Henry Mackay. Un regalo de bodas para su esposa, la soprano Pauline de Ahna, la canción es una expresión contemplativa de un amor puro. Una extensa introducción, que contiene esencialmente toda la melodía, inspira a la soprano a entrar como si lo hiciera en medio de una profunda reflexión. Luego, comenta sobre la melodía repetida con delicada belleza, hasta que un acorde interrogante detiene la música: el cambio repentino hacia un monótono dramático refleja el momento del vínculo silencioso, un abrazo no verbal y una conexión profunda y atemporal entre los dos amantes. Una última aparición de la vulnerable melodía por parte del violín sella la canción. La letra de John Henry Mackay es la siguiente:

¡Y mañana volverá a brillar el sol
y en el camino que recorreré,
ella volverá a unirnos, a nosotros los felices,
en medio de esta tierra bañada por el sol,
y a la playa, ancha, azul por las olas,
descenderemos lentamente, en silencio,
nos miraremos a los ojos en silencio
y sobre nosotros descenderá el mudo
silencio de la felicidad.

Shimmers of Byzantium, escrita por Ethan Wickman, fue encargada por la Barlow Endowment y compuesta especialmente para este programa. Compositor consagrado con estrenos en salas de conciertos de Estados Unidos y del mundo, Wickman ha encontrado recientemente inspiración en la música del Medio Oriente, integrándola en su lenguaje compositivo. Sobre Shimmers of Byzantium, Wickman ha ofrecido una nota extensa:

La frase icónica y contundente que abre el poema Sailing to Byzantium de William Butler Yeats —“That is no country for old men” (“Ese no es país para viejos”)— dio lugar a una novela de Cormac McCarthy y, más tarde, a una película premiada de Joel y Ethan Cohen. El poema imagina a su protagonista en la vejez, sintiéndose un anacronismo en su propio tiempo, enfrentando la inminente muerte con un anhelo persistente por la inmortalidad. Desde la distancia de los años, el narrador observa a los jóvenes amantes abrazados, cielos llenos de cantos de aves, mares repletos de peces: un mundo rebosante de vida. Ante este telón de fondo, se hace presente el espectro de su muerte cercana, y en contraste con la juventud que lo rodea, se describe como “una cosa insignificante, un abrigo raído sobre un palo”. En el centro de esta contradicción, su mente se vuelve hacia la magnificencia de la antigua Bizancio y la majestuosa Hagia Sofía con sus mosaicos dorados, orfebres griegos, los “maestros cantores” del alma, clérigos, emperadores, damas y caballeros—todos, dentro de la imaginación, viven en una “artificiosa eternidad” sin edad. Para Yeats y sus lectores afines, esta Bizancio es un espejismo mental, un fantasma de un pasado ficticio, pero por el que se siente un anhelo tan tangible como la carne misma. El narrador, ya anciano, desea estar allí, ser parte de esa forma inmortal y sin tiempo.

Shimmers of Byzantium medita sobre ese momento de reflexión: lo que significa sentirse fuera de época en la propia era, ver las arrugas en la piel y, sin embargo, sentir dentro la vitalidad de la juventud—la contradicción entre el envejecimiento del cuerpo y la intemporalidad del alma. Además de poner música al texto de Yeats, la obra intercala dos breves poemas del poeta turco otomano Yahya Kemal Beyatlı. Este fue poeta, escritor y estadista, testigo de la caída del Imperio Otomano, la pérdida de muchos de sus territorios y su transformación en el Estado turco moderno. Como muchos escritores de su generación, sus palabras están impregnadas de una nostalgia melancólica o hüzün (palabra turca que designa una tristeza o añoranza profunda) por la pérdida del imperio. Sus versos ayudan a situar espiritualmente la obra en su hogar mítico: Bizancio/Constantinopla/Estambul.

La obra comienza con una breve cadencia improvisada, conocida en la música turca como taksim. El conjunto luego emprende un peshrev, una forma musical que abre el ciclo fasil de la música clásica otomana (o el inicio de una ceremonia sufí). Aquí, el ud (laúd turco) se une al conjunto, tomando parte de su material de los makam, las escalas modales turcas. Lo que sigue es un diálogo entre el conjunto en el suelo y el órgano en el coro alto; entre la mezzosoprano en la sala y la soprano desde las alturas. Este paralelismo con el diálogo de Yeats entre lo mortal y lo inmortal cobra vida a través del sonido.

Texto

Sailing to Byzantium, de William Butler Yeats (fragmento en inglés)

That is no country for old men...
(...)

End of September, de Yahya Kemal Beyatlı (traducción al español)

Los días son breves, los ancianos de Kanlica
Recuerdan todos los otoños del pasado.
La vida es demasiado corta para amar solo este distrito…
Quisiera que los veranos duraran, que los días fueran más largos…
Esa bebida rara sació nuestra sed durante años…
¡Ah! La vida es demasiado corta para tanta alegría.
La muerte es nuestro final, no le tememos,
Pero es duro estar lejos de la tierra natal.
No volver de la noche de la muerte a esta orilla
Es peor que morir, ese es el deseo del corazón.

Vida, de Yahya Kemal Beyatlı

Hay una pausa donde el mar y el sol aparecen,
Hay una pausa donde ambos mundos se revelan,
Y la última pausa—un largo otoño—
Donde el pasado y el futuro aparecen como un sueño.

Shimmers Spanish

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